La obra magna de Hirohiko Araki no es un anime de batallas tradicional. Si ya lograste sobrevivir a la intimidante extensión masiva de los arcos de One Piece, si lograste comprender el enmarañado laberinto de rutas de la saga Fate y si tu mente soportó los dilemas geopolíticos de las líneas temporales de Gundam, entonces estás intelectualmente preparado para entender la estructura de JoJo. Araki fue un pionero absoluto en la década de los ochenta. Mientras sus contemporáneos estiraban a sus protagonistas hasta el cansancio, él decidió matarlos. Redefinió por completo las demografías del manga moderno al estructurar su epopeya no como la aventura de un solo héroe, sino como un linaje generacional manchado de sangre, tragedia y una “gravedad” filosófica ineludible.
Hoy vamos a desglosar esta continuidad parte por parte. Vamos a analizar la evolución estética desde el fisicoculturismo de los ochenta hasta la alta costura andrógina de los dos mil, y vamos a destruir, con argumentos sólidos y sin bilis injustificada, la patética cultura del Part Skipping.
RESUMEN: El Linaje Inexorable
JoJo’s Bizarre Adventure se divide estructuralmente en “Partes” independientes pero conectadas cronológicamente, cada una protagonizada por un descendiente diferente de la familia Joestar. Saltarse la Parte 1 (Phantom Blood) bajo la excusa de que su ritmo es “lento” destruye por completo el peso dramático, la ironía poética y el patetismo de las motivaciones del villano definitivo de la franquicia (Dio Brando) en las Partes 3 y 6. La obra debe consumirse obligatoriamente en orden de publicación para comprender la magistral evolución del estilo artístico y narrativo de Hirohiko Araki a lo largo de 35 años de historia.
1. El formato antológico generacional: Rompiendo las reglas de la industria
Para entender el atrevimiento de Araki, hay que situarnos en el contexto histórico. En la historia de la animación japonesa y el manga de los años ochenta, las revistas editoriales como la Weekly Shonen Jump funcionaban bajo una regla de oro corporativa: si un protagonista es popular, lo exprimirás hasta que deje de vender. Araki, demostrando por qué es una de las mentes creativas más disruptivas del medio, se negó a participar en este refrito infinito. Optó por una estructura antológica sin precedentes en la cultura popular de la época. Cada “Parte” de su obra cambia de década, de país, de elenco, de género narrativo y de protagonista principal (quien siempre lleva un nombre que se puede abreviar como “JoJo”).
Esta decisión permitió que la serie nunca se estancara. Cuando el autor sentía que había agotado las posibilidades de un personaje o un escenario, cerraba la historia (a menudo de forma trágica) y pasaba el manto a la siguiente generación. Es un enfoque que exige un lector maduro, dispuesto a decir adiós a personajes amados para abrazar lo nuevo. Analicemos este viaje época por época.
2. Parte 1: Phantom Blood (La piedra angular inamovible)
Ambientada en la Inglaterra victoriana de 1880, Phantom Blood es una carta de amor al terror gótico, a las películas de la productora Hammer y al mito de Drácula. Narra la rivalidad fundacional entre Jonathan Joestar, un joven de noble cuna con un corazón puro casi caricaturesco, y su hermano adoptivo, Dio Brando, un sociópata carismático nacido en la pobreza absoluta y devorado por un complejo de inferioridad y ambición desmedida.
El pecado del Part Skipping: Existe una tendencia verdaderamente tóxica de incitar a los novatos a comenzar directamente en la Parte 3 porque “ahí es donde aparecen los Stands y la acción real”. Hacer esto es escupir sobre el patetismo de la obra. Phantom Blood dura escasos 9 episodios en su estupenda adaptación al anime de 2012. Aunque la chamba de animación a veces peca de ser rígida y sus diálogos rocen un melodrama shakesperiano teatral, es el pilar que sostiene toda la carga emocional y temática de la franquicia.
Sin presenciar la pureza caballeresca y el trágico sacrificio de Jonathan Joestar, y sin entender la profundidad del odio resentido y visceral de Dio Brando por la estirpe Joestar, el clímax épico de la Parte 3 carece por completo de contexto. Ver JoJo sin su primera parte es como intentar construir un rascacielos empezando por el tercer piso o pretender entender la cronología fragmentada de Monogatari viendo solo su final. Simplemente se derrumbará por falta de cimientos emocionales. El contraste entre la luz (Jonathan) y la oscuridad (Dio) establece el concepto de “Gravedad” (el destino ineludible que une a las almas) que regirá toda la saga hasta el año 2011.
3. Parte 2: Battle Tendency (El auge del Pulp y la comedia)
Saltamos a 1938, en vísperas de la Segunda Guerra Mundial. El protagonista es Joseph Joestar, el nieto de Jonathan. A diferencia de su abuelo, Joseph es un pícaro, un tramposo y un estratega brillante que prefiere huir antes que pelear una batalla perdida. Esta parte abraza el género de la aventura Pulp al más puro estilo de Indiana Jones. Nos lleva desde Nueva York hasta México, Italia y Suiza en una carrera contrarreloj contra los “Hombres del Pilar”, seres primigenios superiores a los vampiros.
Es aquí donde la narrativa visual de Araki comienza a despegar, utilizando paletas de colores neón surrealistas que cambian según la tensión dramática de la escena, un recurso que los animadores de David Production supieron capturar maravillosamente. Joseph establece el arquetipo del protagonista que vence mediante la inteligencia y la anticipación de los movimientos del rival, sentando las bases para los combates cerebrales de las siguientes décadas.
4. Parte 3: Stardust Crusaders (La revolución del sistema de poder)
Llegamos a 1988 y al punto de inflexión definitivo de la industria. Protagonizada por el icónico y estoico Jotaro Kujo, esta parte narra un road trip global desde Japón hasta Egipto para salvar a la madre del protagonista de una maldición familiar provocada por el regreso de DIO (ahora escrito en mayúsculas, denotando su estatus cuasi divino).
Araki se dio cuenta de que el “Hamon” (la energía solar que usaban en las partes 1 y 2 para matar vampiros) había llegado a su límite narrativo. Para no caer en la trampa de “mi rayo de energía es más grande que el tuyo” que plagaba al Shonen de la época, inventó los Stands: manifestaciones físicas del alma y la psique del usuario. Cada Stand tiene una regla específica, limitaciones y habilidades únicas. Ya no ganaba el más fuerte físicamente, sino el que supiera usar mejor las ridículas condiciones de su poder. Esta invención alteró el panorama del manga de batallas inexorablemente; sin los Stands, sistemas de poder complejos como los que hoy vemos en otras franquicias jamás habrían existido.
5. La metamorfosis estética: De los músculos a la Alta Costura (Partes 4 y 5)
Otro de los aspectos que alejan a los espectadores más cerrados de mente es el cambio radical en la estética de los personajes. Si decides explorar los orígenes leyendo los tomos físicos —y aquí te recuerdo la vital importancia de preservar y coleccionar el formato físico para notar los trazos sin compresión—, notarás que las primeras partes rinden un tributo evidente a los cuerpos hipermusculados y masculinos al estilo Fist of the North Star de Tetsuo Hara o las películas de Arnold Schwarzenegger.
Pero a partir de la Parte 4: Diamond is Unbreakable (un perturbador thriller sobre un asesino en serie oculto en un tranquilo y colorido pueblo japonés en 1999) y especialmente en la Parte 5: Golden Wind (un drama crudo sobre gánsteres y la mafia en la Italia de 2001, protagonizado por Giorno Giovanna, el hijo ilegítimo de DIO), el arte de Araki dio un giro de 180 grados.
Araki empezó a sacar el cobre artístico en el mejor de los sentidos. Los protagonistas abandonaron la hipertrofia muscular para adoptar estéticas andróginas, siluetas estilizadas, poses anatómicas inspiradas en las esculturas de Miguel Ángel y, sobre todo, ropajes vanguardistas. Araki se volvió un estudioso de la moda de Gianni Versace, Christian Dior y Moschino. Su estilo se refinó hasta tal punto que JoJo’s Bizarre Adventure se convirtió en el único manga de la historia en tener colaboraciones oficiales y vitrinas diseñadas exclusivamente para las tiendas Gucci en Italia, además de una exposición individual en el Museo del Louvre en París. Reducir JoJo a “un anime de memes chistosos” es una falta de respeto absoluta; es una pieza de arte y diseño reconocida mundialmente.
6. Parte 6: Stone Ocean (El cierre del universo y la valentía del autor)
El atrevimiento final de Araki fue terminar su propio universo. Stone Ocean (ambientada en una prisión de máxima seguridad en Florida en 2011) nos presenta a Jolyne Cujoh, la primera protagonista femenina principal de la línea central. Si bien en nuestra guía de Qué es el anime discutimos cómo las heroínas han ganado terreno, Jolyne es brutal, imperfecta y dispuesta a ensuciarse las manos como cualquier otro JoJo.
La Parte 6 concluye la narrativa original de una forma devastadora y cósmica. Es un cierre sobre el concepto del destino, el peso de la sangre y la idea de que todas las acciones pasadas arrastran una consecuencia ineludible (la Gravedad). El final es un reset, un sacrificio absoluto que muy pocos autores de la revista Jump se habrían atrevido a dibujar. Es la culminación perfecta para el espectador que invirtió su tiempo desde la oscura mansión Joestar de 1880.
7. El renacimiento y el salto demográfico (Steel Ball Run y JoJolion)
Sabiendo que la historia de los Joestar y Dio había cerrado su ciclo en la Parte 6, Araki movió su publicación de una revista enfocada a adolescentes a una para adultos jóvenes (el salto del Shonen al Seinen, un fenómeno editorial fascinante que detallamos en nuestra comparativa técnica de Manga vs. Anime).
Con este cambio de demografía y una mayor libertad editorial para tratar temas complejos (violencia sexual, política, religión, discapacidad), nació la Parte 7: Steel Ball Run. Un western sobre una carrera de caballos a través de Estados Unidos a finales del siglo XIX, donde Jesucristo y la presidencia de los Estados Unidos juegan un papel central. A esta le siguió la Parte 8: JoJolion, un misterio existencial tras el terremoto de Japón.
Estas historias transcurren en una continuidad completamente nueva y alterna. Aunque no están conectadas a la línea de tiempo original, y puedes leerlas como una entidad aparte, exigen del lector la madurez literaria y la paciencia que solo se consigue habiendo acompañado al autor en su evolución gráfica y narrativa desde su primera viñeta. Aún esperamos su adaptación al anime, la cual, de concretarse, seguramente encabezará nuestras listas de estrenos más esperados de la década.
8. La barrera de entrada: Doblaje, Localización y Censura Musical
Para cerrar esta autopsia, es imperativo advertir al nuevo espectador sobre la barrera de localización occidental. Hirohiko Araki es un melómano obsesivo. Nombró a casi todos sus personajes, Stands y habilidades en honor a bandas de rock clásico, R&B y artistas de la cultura pop occidental (REO Speedwagon, King Crimson, Killer Queen, Aerosmith, Red Hot Chili Pepper, etc.).
Debido a las draconianas leyes de derechos de autor en Estados Unidos, las plataformas de streaming legal se ven obligadas a subtitular y doblar estos nombres con alternativas palomeras y francamente ridículas (cambiando “Sticky Fingers” por “Zipper Man” o “Killer Queen” por “Deadly Queen”). Si decides ver la serie, este es uno de esos casos raros donde el debate de Subtitulado vs. Doblado tiene un claro ganador: debes escuchar el audio original japonés para oír a los actores de voz (Seiyuus) gritar los nombres originales en “Engrish”, mientras ignoras los subtítulos censurados de la pantalla. Es parte de la experiencia psicodélica y auténtica de la obra.
Al final, JoJo’s Bizarre Adventure no es un simple producto empaquetado para consumidores pasivos que miran el celular mientras el televisor hace ruido de fondo. Exige que el espectador respete el paso del tiempo, que tolere los cambios abruptos de género literario y que acepte que el arte, si es genuino, muta y evoluciona. Si estás dispuesto a sentarte, a honrar la cronología y presenciar el nacimiento de un conflicto en una lúgubre mansión inglesa del siglo XIX sin saltarte un solo capítulo por puro capricho generacional, te prometo que descubrirás una de las odiseas más brillantes, extravagantes y profundas jamás entintadas por el ser humano. La sangre familiar, al igual que el buen cine de autor, jamás pierde su espesor ni su relevancia. Rechaza el Part Skipping, abraza el legado Joestar, y prepárate para un viaje verdaderamente bizarro.
